Há 30 anos deixava este plano um dos maiores músicos e compositores do século 20, Frank Zappa. Idolatrado e incompreendido em iguais proporções, o cantor e multi-instrumentista norte-americano deixou um enorme legado de criatividade musical, assim como um dos maiores exemplos de como sobreviver de música sem precisar vender a alma ao "diabo". Guardadas as devidas proporções, resolvi falar um pouco deste primeiro trabalho a solo de DIEGO SVERN, músico brasileiro do Estado de Minas Gerais, baterista, cantor, multi-instrumentista e compositor desta invulgar obra musical denominada Parabellum. Suas influências vão de artistas de heavy metal como Russel Allen, Jorn Lande e Michael Romeo, a artistas da música pop como Michael Jackson, Christina Aguillera e Whitney Houston. No entanto, sua música vai muito além do metal e do pop, fundindo elementos da música progressiva, eletrônica, soul e jazz fusion, num grande amálgama sonoro que tanto têm de belo como de caótico. Mas afinal quem é Diego Svern?

Diego Svern na bateria

Apesar de desconhecido do grande público, Diego Svern acumula experiências musicais há quase 20 anos. Enquanto baterista/vocalista gravou com as bandas Savior Sephiroth e Agents of Havok, para além de fundar o projeto Praedatorium. Participou como baterista no projeto multinacional Peura ao lado de músicos da Polônia, EUA e Índia, e do qual resultou o álbum Whisperathology de 2017. Foi vocalista da banda Nickel, participou de projetos beneficientes com orquestra e coral em Belo Horizonte, e faz parte do projeto indiano Feathers of Jatinga para o qual gravou as vozes no EP homônimo de 2022. Para além de tudo isso é, há mais de 10 anos, professor autônomo de canto, bateria e composição. Um feito surpreendente para quem começou na música apenas como baterista autodidata.

Diego Svern emprestando voz ao projeto HOPE (Esperança) em 2020

Sonata Arctica finalmente de volta ao Brasil!

Audio lotou para assistir o Sonata Arctica

Firewing

Tony Kakko, a voz do Sonata Arctica

Henrik Klingenberg (keytar) e Elias Viljanen (guitar)

 

Um dos privilégios de vivenciar o mundo da música por mais de 4 décadas é o de poder testemunhar as diversas fases da carreira de uma banda ou artista bem sucedido, assim como o vai e vem de popularidade de certos estilos musicais a que ficam associados durante sua trajetória. Para além do talento há outros fatores que determinam o destino de um projeto, tais como apoio financeiro (patrocínio), capacidade técnica (experiência e maturidade), ou até mesmo bem-aventurança (estar preparado no lugar certo e na hora exata). A vida funciona em ciclos de oportunidade, e é preciso um bom mix de entusiasmo e perseverança para alcançar vitórias, mesmo que pelo caminho fiquem inúmeras tentativas frustadas e pontuais fracassos acumulados ao longo do tempo. Mas você deve estar pensando: Qual o sentido desta introdução em uma resenha de um álbum de estreia de um novo projeto musical europeu? 

Temos vivenciado uma época em que tudo acontece muito rápido, sendo a tecnologia o grande propulsor (facilitador) que alimenta sem descanso a indústria do entretenimento. O número de artistas, projetos e lançamentos vem crescendo exponencialmente, e em especial os trabalhos autorais de qualidade, mesmo que dissociados de empresas (gravadoras, selos, promotoras) que lhes garantiriam um nível adequado de exposição. Com a massificação da música servida digitalmente via streaming, há cada vez menos novos ouvintes se relacionando com produtos físicos, sejam eles fita cassete, disco compacto ou vinil, trazendo como consequência uma perda significativa nas receitas, assim como uma crescente efemeridade na relação entre o fã e artista. Houve um tempo em que se dizia que um músico precisava vender a alma ao diabo para viver de sua arte, mas na realidade persevera quem melhor se adapta, ampliando horizontes, respeitando diferenças, aprendendo com erros, e seguindo o ritmo de sua intuição. É no entanto preciso ter consciência dos perigos de dançar conforme a música, principalmente quando os movimentos são orquestrados pela diabólica indústria capitalista, pois ela cria ilusões de fama e poder, inflama egos e corrompe destinos, quer seja por atalhos articulados ou vícios plantados no caminho divino da criação. Em suma, é preciso estar muito bem preparado para dançar esse 'tango do diabo', e se manter imune à tropeços, pisadas na bola, trancos e muitos barrancos.

Richard Jönsson, Caught in Action mastermind.

As influências do grupo passam por nomes estabelecidos da cena do hard rock melódico norte-americano, e se fazem notar em temas como It Was Always You (Journey), Gave You My Heart (Bon Jovi) e Too Late For Love (Def Leppard), por exemplo. As referências surgem naturalmente, porém numa veia mais AOR, onde os teclados ganham evidência, ainda que sem grandes exageros ou recursos desnecessários. O trabalho das guitarras é simples e eficiente, mantendo o tom melodioso das harmonias vocais sobre a sólida cozinha rítmica. Entre as melhores canções estão Simple Man e It Is What It Is, ambas bem elaboradas e igualmente orelhudas. Ainda assim, o grande destaque vai para a empolgante faixa título Devil's Tango, numa linha um pouco diferente das demais, bem mais energética e trabalhada, lembrando um pouco a fase inicial do Skid Row. Sem a pretensão de inventar a roda, o Caught in Action executa de forma polida, atualizada e convincente, a fórmula simples e eficaz do rock melódico radio-friendly dos anos 80/90. 

A voz brazuca do Caught in Action

Não poderia deixar de referir que o álbum me fez recordar os tempos de Hot Stuff, grupo que formei em Portugal no início dos anos 90, e no qual o Marcelo também fez parte. Ele que já havia tocado comigo no Skid Row Cover antes de nos aventurarmos em terras lusitanas. Pouca gente sabe, mas Kind of Crime, o primeiro álbum do Hot Stuff lançado há 30 anos em Portugal e no Brasil, vendeu mais de 100 mil cópias em vinil! Aliás, nenhum dos músicos envolvidos soube disso na época, o que acabou privando a evolução do grupo em anos subsequentes. De certa forma, o Caught In Action surge também como uma continuação daquele sonho prematuramente ceifado de levar o rock melódico de viéz latino/americano pelos quatro cantos da Europa. Tenho muito orgulho da carreira do Marcelo, ele é um guerreiro e também um vencedor, e não tenho dúvidas de que sua voz e personalidade ficarão eternizadas na história do rock'n'roll.

E eis que recebo o primeiro lançamento de 2022 em formato físico, The Last Acacia, o álbum de estreia do projeto ACACIA CROWN. O trabalho foi recentemente editado pelo selo Heavy Metal Rock em CD Digipak com arte de capa assinada pelo russo Yaroslav Gerzhedovich, e envolta num belíssimo slipcase com arte assinada pelo vocalista Heverton Souza. Embora tenha recebido o trabalho sem o habitual press release, consegui descobrir que a banda (incialmente um quarteto) agora se promove como um duo composto pelo guitarrista/tecladista Fabricio Sawaya, e o já citado vocalista que também atende pelo codinome Áscaris. Trata-se de um projeto de música extrema experimental que mescla elementos de black, death e doom em suas vertentes mais melódicas, pontuadas pelo uso de teclados, guitarras acústicas, flautas, percussões, e até mesmo um bouzouki (instrumento de origem grega da família do alaúde) que confere um tom avant-garde à sua proposta musical.

Heverton Souza e Fabricio Sawaya

A faixa título é o abre alas do álbum, e traz de cara essa mescla de estilos de forma mais evidente, colocando o ouvinte mais desatento "perdido" em busca do norte em algum deserto do médio-oriente. No entanto é com Behind the Silence que o grupo mostra uma maior solidez de composição, alternando andamentos e intensidade de forma eficaz, e que culminam num refrão bem conseguido e orelhudo. O mesmo não se pode dizer da faixa seguinte The Wait onde o grupo tenta repetir a mesma fórmula num tema mais longo (quase 12 minutos) sem o mesmo sucesso. Em Guilty Dreams voltam a flertar com o experimentalismo de forma satisfatória (voz sobre solos de guitarra dobrados, e dedilhados acústicos) muito embora sirva mais como interlúdio para a fantástica Blast Vaccum, onde temos vocais limpos nas partes acústicas e vocais mais "rasgado" nas partes mais intensas, num equilíbrio perfeito death/doom melódico de excelente instrumentação. Um tema tão bom que parece encaixotado entre interlúdios, desta vez a ótima peça instrumental leva o nome de Clamour Ad Vitam. Na sequência temos Black Wind, a mais black metal 'desenfreado' do alinhamento, porém bem trabalhada e com destaque para os solos ultra melódicos do Fabrício. Confira o video oficial deste ótimo tema abaixo.

Para encerrar o álbum temos Gallery of Lies, incluído como faixa bônus exclusivo da versão física. O tema foi o primeiro single a ser promovido deste álbum, e tal como Behind the Silence (segundo single), convence pela boa composição e ótima execução dos músicos. A melodia do refrão me soou bem familiar, mas a execução vocal do Heverton é bem variada (sobreposta com tons mais graves em alguns momentos) e em geral convincente, sem nunca precisar recorrer aos exageros agudos de um Dani Filth, por exemplo. Talvez por isso a música do Acacia Crown acabe ganhando esse efeito raro na música extrema, que é o de poder cantarolar as letras dos refrões, visto que as melodias da guitarra estão sempre lá de fundo, ajudando a tornar memoráveis esse lote de boas canções. Em resumo, The Last Acacia é um trabalho de apresentação bem produzido e digno de registro, mostrando um grupo confortável em diversas frentes da música extrema, ousado nas experimentações, e o mais importante de tudo, com grande potencial de evolução.

O ano está terminando, e mais um vez estamos prestes a fazer mais um balanço dos melhores álbuns nacionais nas diversas facetas do rock/metal. Em 2020 já havíamos sentido um diminuição significativa no número de lançamentos, e em 2021 não foi diferente. A pandemia continua a ser uma triste realidade que afeta a todos sem exceção, muito embora com um impacto cada vez menor devido a conscientização da população e a vacinação em massa. Ainda assim bandas e gravadoras nacionais continuam muito cautelosas, visto que investir em novos trabalhos sem a certeza de poder promovê-los ao vivo, é de fato assumir um risco que pode levar a prejuízos financeiros, frustração e até mesmo ao fim prematuro de muitas bandas. Felizmente tem havido lançamentos suficientes para elaborar um TOP30, e este novo trabalho do SUNROAD é um dos que certamente irão figurar entre os melhores do hard'n'heavy de nosso país, outra vez!

Oriundos de Goiânia e liderados pelo único integrante da formação original, Fred Mika (bateria) vem mantendo o grupo ativo mesmo com inúmeras mudanças na formação, tendo lançado 9 discos de estúdio e um par de coletâneas nos últimos 25 anos. A novidade Walking the Hemispheres lançado em julho passado talvez seja seu trabalho mais audacioso e provavelmente o melhor de sua longa carreira, uma vez que marca a estreia de Steph Honde, o experiente vocalista e multi-instrumentista Francês, como parte integrante do grupo. Em 2019 o Sunroad havia lançado o ótimo Heatstrokes, que figurou em nosso Top30 daquele ano, porém viu-se obrigado a cancelar diversos shows devido aos efeitos da pandemia, inclusive uma tour que fariam pelo país ao lado de Mark Boals (ex-Yngwie Malmsteen). Imersos num infindável lockdown, o grupo se concentrou na composição do novo álbum, já contando com a participação do vocalista Francês de forma remota, enquanto o mesmo se via em hiato de sua carreira solo e do Holywood Monsters, super grupo que também integra ao lado de Tim Bogert, Don Airey, Vinny Appice, entre outros.

Formação que gravou o novo álbum do Sunroad

Depois de Paul Di'anno, Mike Vescera, Jeff Scott Soto e Fabio Leone, agora é a vez de Steph Honde ser a voz internacional de um grupo formado por músicos Brasileiros em nosso país, e a escolha não poderia ter sido mais feliz. Por acaso eu já conhecia a voz de Steph Honde, visto que seu primeiro trabalho a solo teve lançamento nacional assegurado pela Musik Records, editora que fez o link do músico com a banda, para além de trabalhar o licenciamento exclusivo no Brasil de grupos como Pride of Lions, Kee of Hearts, Dreamtide, e claro, o Sunroad também! Em Covering The Monsters (2017), Steph Honde já mostrava seu talento e versatilidade interpretando grandes clássicos do Hard'n'Heavy, de Danzig a Bruce Dickinson, de Ian Astbury a Rob Halford, e de Axl Rose a Ian Gillan. No entanto, ouvindo com atenção ao seu trabalho com o Sunroad, nota-se uma voz bem mais aveludada, experiente, tendendo muito para o estilo de David Coverdale, mas sem nunca o imitar descaradamente. Para além disso, o cantor toca teclados (Hammond) dando aquele feeling clássico de bandas como Uriah Heep e Deep Purple em algumas músicas, e também participa com sua guitarra na faixa bonus Try Me, um cover da banda UFO.

Steph Honde

O álbum abre com a faixa título cujo andamento e refrão me fez lembrar um mix de Scorpions com Rainbow/Deep Purple da fase com Richie Blackmore, um grande tema para aquecimento dos músicos na abertura de um show. Os temas seguintes são mais cadenciados, onde a voz semi-rouca de Steph Honde começa a se destacar mais, trazendo à lembrança os trabalhos mais recentes do Whitesnake, em especial na balada Written in the Mist. Na sequência temos The Mess and Its Key que tem um efeito parecido com a faixa título da abertura, trazendo de volta um ritmo mais acelerado, sem nunca descurar do aspecto melódico. Os dois temas seguintes estão um pouco abaixo dos restantes, sendo Halo of Hearts o que se destaca pela negativa, com uns arranjos de teclado 'anos 80' que na minha opinião não combinam muito com a sonoridade atual do Sunroad. Para compensar o deslize, o álbum fecha de forma mais vigorosa com Detached Picture of Venus, com certeza o tema mais 'metálico' do álbum, antes da derradeira balada Try Me, uma versão sentida ao piano, que originalmente integrou o clássico Lights Out do UFO.

No geral, um álbum muito bom em termos de hard and heavy nacional, bem produzido e executado, mostrando que as parcerias remotas e internacionais são mais que bem vindas nos dias de hoje. Para finalizar uma nota importante visto que houveram algumas mudanças recentes na formação. JP Costa agora é o novo vocalista, ao lado de Steph Honde, substituindo o guitarrista/vocalista Warley Oliveira, que por sua vez já havia substituído o guitarrista Neto Mello após as gravações do novo álbum, assim como  Mayck Vieira (guitarra/baixo) que deu lugar ao baixista Akasio Angels. Fred Mika na bateria e Van Alexandre nas guitarras completam a formação. O renovado quinteto se prepara para pegar a estrada em 2022 ao lado dos também veteranos Dr. Sin. Agora resta saber se o francês irá encarar uma temporada de shows em território tupiniquim, ou se a entrada de JP é já a contar com sua futura ausência. A ver vamos...

O novo milênio trouxe um novo fenômeno em termos de shows de artistas internacionais no Brasil, com promotores contratando músicos brasileiros para fazerem parte das bandas de suporte em apresentações especiais e até pequenas tours de renomados vocalistas do hard'n'heavy mundial. Uma estratégia econômica que para além de viabilizar shows na América Latina, ajudou a captapultar a carreira de diversos músicos nacionais. Um dos casos mais antigos que me vêm à memória, é o do Paul Di'anno, o eterno ex-vocalista do Iron Maiden, que fez muitos shows por aqui e até lançou o álbum Nomad com Paulo Turin, Chico Dehira, Felipe Andreoli e Aquiles Priester em 2000. Em sua última tour no Brasil em 2015, Di'anno contou com Vinnie Tex, Thiago Velasquez e Braulio Drumond, músicos cariocas que hoje integram a banda da cantora Leather Leone (ex-Chastain). Aliás, o projeto Leather conta ainda com o guitarrista Marcel Ross que gravou II, o segundo álbum a solo da cantora norte-americana, e que também rendeu shows no Brasil em 2019. Outro caso que me vêm à mente é o do cantor Jeff Scott Soto (ex-Yngwie Malmsteen), que depois de tantos shows no Brasil com os músicos da banda brasileira Tempestt, acabou montando o grupo S.O.T.O. com dois deles, BJ e Edu Colminato. Mas houve muitos outros casos que deram frutos, como a parceria de Michael Vescera (ex-Loudness) com o Dr. Sin, e mais recentemente das tours de Tim Ripper Owens (ex-Judas Priest), e Blaze Bayley (ex-Iron Maiden) no Brasil. Teve ainda duas edições do projeto Metal Singers, que para além de Owens e Bayley, contou também com Mike Vescera, Udo Dirkschneider, Doogie White e André Matos. E o que há de comum em todos esses shows? O guitarrista Kiko Shred e a seção ritmica formada por Will Costa e Lucas Tagliari, não por acaso, músicos que acompanham Kiko em sua carreira a solo.

Kiko Shred's Rebellion

É sempre gratificante ver bandas lançando trabalhos de estreia de grande qualidade, ainda mais quando se trata de grupos nacionais. O XFears é um quinteto de heavy metal de contornos progressivos que surgiu em Campinas, no interior de São Paulo, e que esteve ativo por um par de anos no início deste milênio. Após um hiato de 13 anos, ressurgem em 2017 com o objetivo de levar a cabo o lançamento de seu primeiro álbum de forma profissional e independente. Em 2020 lançam 3 singles que dão pistas do que estava por vir (Changes, Reason to Stay e Fix it All), renovam a secção rítmica com a entrada de Ricardo Roque no baixo e Douglas Polents na bateria, e lançam mais 2 singles Believe in Nothing e Hell is Here, ambos presentes neste debut The First. 

O álbum surpreende pela qualidade de gravação e execução dos músicos, com destaque para o vocalista/ tecladista Gabriel Carvalho, que faz um ótimo trabalho em ambas as funções. A pequena intro Xfears abre o disco dando o mote para a beleza dos teclados, que de forma harmoniosa norteia o disco como um todo, eficazmente e sem grandes exageros, abrindo espaço para Take Control que combina o peso das guitarras com ritmos e harmonias envolventes, mostrando que para além de coesão instrumental, o grupo apresenta grande maturidade a nível de composição. Hell is Here é o tema seguinte, na mesma linha porém com mais peso e algumas mudanças rítmicas mais ascentuadas na parte dos solos, lembrando vagamente a fase Image & Words do Dream Theater. No Regrets segue mantendo a alto padrão, tanto no peso como na parte mais progressiva dos solos de guitarras e teclados, para além dos bem executados arrajos nos vocais de apoio do refrão. Depois de uma trinca tão convincente, desaceleram mas não desapontam com a semi-balada I See, e voltam a carga com a ótima Endeavour e a belíssima Believe in Nothing, me fazendo ponderar algumas referências fora do espectro do metal progressivo, tais como Amorphis, Sentenced e até mesmo Nevermore. Já na reta final do disco temos o interlúdio Prelude to Pain com Gabriel dando show na voz e piano, e a grandiosa (e longa) The Worst Pain que fecha o álbum mantendo o alto nível, ainda que seja a menos memorável de todo o álbum.

Xfears 2021

O Xfears produz música de alta qualidade que agradará não só ao fã de prog metal habitual, como à um público mais eclético do rock pesado também, pois eles não se limitam a repetir fórmulas passadas. Os músicos mostram que sabem tocar bem sem precisar ficar provando constantemente, ou seja, não exageram na dose e apresentam composições sólidas e de um bom gosto indicutível. Em resumo, estamos diante de uma grande revelação em termos de metal progressivo feito no Brasil, e não tenho dúvidas de que este álbum de estreia irá figurar entre os melhores em muitas listas de fim de ano, inclusive a nossa! Indicado a fãs de bandas como Evergrey, Fates Warning ou Symphony X, e não só!

O grupo de thrash metal ANGELUS APATRIDA iniciou ontem em Porto Alegre uma tour de 6 datas no Brasil, levando consigo para as aberturas o grupo nacional Hatefulmurder. Hoje o show acontece em Florianópolis, seguido por shows em Curitiba, Santos, Minas Gerais e finalmente na capital de São Paulo, onde encerram esta mini tour no Fabrique Club. O grupo espanhol surgiu no ano 2000 em Albacete e é atualmente considerado como um dos grandes nomes do gênero na Europa. Ao longo de quase 20 anos, lançaram apenas 6 álbuns de longa duração, sendo Cabaret de la Guillotine (2018, Century Media) o mais recente de sua discografia. A formação atual conta com Guillermo Izquierdo “Polako” na guitarra e voz, David G. Álvarez na segunda guitarra, José J. Izquierdo no baixo e Víctor Valera na bateria.

Angelus Apatrida

O Hatefulmurder por sua vez foi formado em 2008, no Rio de Janeiro, e pratica uma linha musical com elementos do death e thrash metal porém mais voltada ao Metalcore atual. No passado mês de Outubro lançaram Reborn, seu terceiro álbum de estúdio em longa duração. O quarteto é formado por Angélica Bastos na voz, Renan Ribeiro na guitarra, Felipe Modesto no baixo, e Thomás Martinoia na bateria, ou seja, a mesma formação que gravou Red Eyes em 2017.

Hatefulmurder

"No ano de 1674, partiu de São Paulo a bandeira liderada por Fernão Dias Paes, mais de 600 aventureiros seguiram para o norte em busca da lendária lagoa das Esmeraldas". É assim, com a inconfundível voz do ator/dublador/poeta Isaac Bardavid, que tem início mais um excelente trabalho solo do tecladista YURI FULONE, desta feita numa imersiva abordagem conceitual na língua de Camões, repleta de brasilidades que vão sendo ilustradas através de arranjos e instrumentações, assim como pelas imprescindíveis referências históricas. Yuri foi, há cerca de dois anos e meio, o primeiro músico entrevistado em minha rubrica Bastardos do Brasil, que tem sido desde então transmitida mensalmente na rádio Marcoense FM de Portugal. Naquela oportunidade em que promovia In the Steel You Can Trust, o recompilatório de seus 3 primeiros EP's, o músico paulistano já se encontrava a produzir esta nova obra que conta a história de Fernão Dias Paes, um dos mais famosos Bandeirantes do Brasil. Antes disso, ainda em 2017, lançou seu segundo álbum em longa duração Your Kingdom Will Fall pela editora norte-americanca Stormspell Records.


Fernão Dias é, juntamente com o português Raposo Tavares, os nomes mais famosos na expansão territorial do Brasil durante o período colonial, e não por acaso, seus nomes passaram a ilustrar importantes rodovias do País. Não obstante, os Bandeirantes também foram responsáveis pela escravização e extermínio de centenas de milhares de indígenas, fruto de uma incessante busca por ouro, prata e outras pedras preciosas, financiada é claro, pelo governo Português. No caso de Fernão Dias, sua obsessão eram as esmeraldas, as pedras verdes que julgou ter encontrado após 7 anos vasculhando terras de Minas Gerais. Naquele local simbólico, funda um arraial e ali se estabelece por quatro anos, quando eventualmente é acometido de febre de malária, e morre desconhecendo que suas pedras eram afinal turmalinas... Num passado recente do Brasil, muitas bandas de heavy metal tem buscado inspiração na cultura e história do País, resgatando personagens esquecidos de uma população sempre oprimida desde sua colonização. Sim, há heróis entre os oprimidos que merecem ser conhecidos e exaltados, no entanto Yuri preferiu contar a história de um opressor, alguém que "administrou" uma aldeia com mais de 5 mil índios escravizados, alguém que foi traído pelo próprio filho, e que por consequência disso o enforcou. Uma história rica de argumentos, sonhos e decepções, que é contada de forma simples e eficaz, em meia hora de música composta por Yuri Fulone, e executada de forma exemplar por seus cúmplices musicais do Liar Symphony. Pedro Esteves assina esta ótima produção nos estúdios Masterpiece em Guarulhos.

Os músicos escolhidos para acompanhar Yuri Fulone em apresentações ao vivo.

A toada folk da intro '1674' transporta o ouvinte para o meio da mata, por entre o burburinho de pássaros e insetos, embelezada pela encantadora voz de Nayara Camarozano. 'O Bandeirante' conta a missão e os desafios do aventureiro em busca de Esmeraldas, enquanto musicalmente finca pé no heavy metal épico, compassado, e sem precisar acelerar. Em 'Donos da Terra' a história dos verdadeiros "donos" do Brasil é contada quase como um tributo, num tema que começa com flautas e clima folk, abrindo caminho para um vigoroso Power Metal que não abdica de partes mais cadenciadas. Pelo meio mais uma narração, desta vez sobre o conflito com os índios Mapaxós, dando mote para um novo galopar em velocidade antes de terminar em seu belíssimo e compassado refrão. 'Quando Voltarás' retrata a angústia da esposa de Fernão Dias causada por sua ausência, num belo tema acústico embalado mais uma vez pela doce voz de Nayara. 'Traidor' é mais uma narração, e serve para introduzir 'O Enforcado', tema bem carregado de peso e emoção, retratando fielmente os sentimentos que envolvem traição, condenação e execução em família. O vocalista Nuno Monteiro merece aqui um elogio especial, pois ele não é só comparável com Eric Adams (Manowar), como por vezes ultrapassa em qualidade de interpretação, visto que não exagera nos agudos, e sua prestação é invariavelmente imaculada. 'As Esmeraldas' é introduzida por mais uma narração seguida de um sofrido doom, que traduz perfeitamente o sacrifício necessário para a conquista do almejado objetivo, após 7 anos de buscas. O tema ganha a velocidade do Power Metal, e é potuado por um solo de teclado de Yuri em tom bem "espacial". 'Final' repete o clima acústico da intro, conta com a última narração de Isaac sobre o desfecho da vida de Fernão Dias, e enaltece o lado positivo de suas incursões pelo Brasil. O álbum ainda conta com a faixa bônus 'Raposo Tavares', outro metal épico com clara influência de Iron Maiden (em versão sinfônica), que fala sobre o Bandeirante Português cuja bandeira Fernão Dias integrou no sul do Brasil em 1638. Musicalmente impecável, conceptualmente rico e interessante, Yuri Fulone sai vitorioso em seu primeiro trabalho escrito e interpretado em lingua mãe. Uma obra na qual recupera os feitos 'heróicos' de um personagem incontornável de nossa história, ao mesmo tempo que encanta com suas incríveis composições.

A triste morte de Fernão Dias Paes

No início de Outubro estive presente na primeira edição da Horror Expo no Brasil, realizada no parque do Anhembi em São Paulo, e para além dos shows que assisti por lá, os quais divulguei no último update de nossa 'Agenda Viva', pude também encontrar diversos músicos e personalidades do cenário underground nacional. Um desses encontros foi com Vitor Muñoz, baixista do Spectrus, grupo que recentemente divulgamos em nosso canal no youtube através de entrevista e vídeo reação. O multi-instrumentista estava acompanhado de Thiago Gasulla, o mentor do projeto acústico de dark folk Mooncorpse, e cujo debut In The Mouth of Madness havia sido produzido por Vitor Muñoz. Munido apenas de algumas informações gerais, e em posse de um exemplar em digipack com uma bela arte assinada por Rafael Tavares, decidi dedicar algum tempo de audição a este trabalho para uma futura resenha. Confesso que quase desisti de publicar este texto quando descobri que o álbum em questão é do ano passado, e que o projeto já lançou um novo EP Ancient Doom, e também King of the Damned, seu segundo full length, ambos em 2019. Não curto resenhar álbuns em retrospectiva, quando o artista já lançou novos trabalhos, mesmo assim decidi ir adiante visto que se trata de um debut produzido de forma independente, e num gênero pouco comum de ser ver por "terra brasilis". A tonalidade do álbum é obscura, com letras inspiradas no universo de fantasia e horror, e que versam sobre a morte. O ouvinte que avaliar somente pela capa e títulos das músicas poderá achar que se trata de uma banda de black metal, o que está longe de ser o caso. Os ritmos são em geral cadenciados, com as guitarras acústicas e a voz grave de Gasulla em lugar de destaque na mixagem. Em alguns momentos seu registro me lembrou o do finado Peter Steele, e em outros até mesmo Nick Cave. Nos sussurros e nas partes graves ele até vai bem, mas quando se empolga 'em cantar' transparece uma certa falta de experiência.

Vitor Muñoz e Thiago Gasulla

Alguns temas contam com instrumentais, e até alguma distorção de guitarra em segundo plano. Pontuam-se também efeitos especiais em intros, corais, e até algumas orquestrações. Os corais poderiam ter mais brilho e contraste, talvez com vozes femininas, pois o resultado de uma voz grave masculina acompanhada de corais graves masculinos é insípido e redundante. No entanto os pontos mais baixos do álbum são The Haunting e Chant of Wolves. O primeiro é literalmente um 'espanto', começa bem na parte acústica mas depois as melodias começam a chocar com teclados fora de tempo, num resultado pra lá de constrangedor. Já o tema final é na verdade um cover do Infurius (quem?), e sofre do mesmo mal, ou seja, com execução "atravessada", e que poderia ter sido regravada para justificar sua inclusão como bônus.


Bom, quer dizer que não há nada que se aproveite neste debut? Não! Há algumas músicas boas como Dance With The Dead e My Witch, que poderiam ter ficado ótimas com arranjos mais interessantes. Se é pra ir na onda folk, porque não utilizar instrumentos de cordas diferenciados? Se a tonalidade é depressiva, porquê não usar um piano? Não foi por acaso que citei Nick Cave, afinal o álbum Murder Ballads é um ótimo exemplo, rico, belo, e ao mesmo tempo perturbador! O tema Mouth of Madness é um dos que poderia ter ficado melhor com um instrumental mais pesado. Misanthropy também não é mau, e me lembrou algum do material mais soft do Type O Negative. No geral In The Mouth of Madness é um trabalho apenas mediano, porém mostra potencial, principalmente por se tratar de um gênero pouco explorado no Brasil.

Embora seja um nome novo para mim, o DEVACHAN tem uma curiosa origem que remonta há mais de 35 anos. O grupo surgiu em 2010, numa pequena cidade do interior de São Paulo, através dos irmãos Gabriel (voz) e Leandro (guitarra), que decidiram resgatar as letras escritas pelo Pai no final da década de oitenta, e tê-lo também como baixista na formação. Sim, estamos diante de mais uma banda que trabalha e compõe em família, tal como o Tenebrario (um dos destaques de nosso Bastardos do Brasil em 2018), cujo vocalista Alexdog conta com um filho na guitarra e outro na bateria. Em seu currículo o Devachan conta com um EP homônimo de 2011, o EP Andarilho de 2013, e finalmente seu primeiro longa duração Regeneração do ano passado, álbum que este ano ganhou novo empurrão com a assessoria da Som do Darma de Sorocaba. O álbum foi financiado pela Lei de Incentivo a Cultura (LINC) de Boituva/SP e inclui um total de 8 faixas inéditas, mais intro e outro. Para além do trio Dias, a formação fica completa com o tecladista Michael Santos e o baterista Jeferson Oliveira, tendo este último entrado após as gravações do debut.

Devachan

Após algumas audições do novo trabalho, é possível concluir que o grupo pratica um heavy metal tradicional bastante competente a nível técnico, e que invariavelmente tende para passagens mais trabalhadas e progressivas. A inspiração dos primórdios do metal nacional é patente, mas não tão óbvia como se poderia imaginar. Sim, apesar das letras cantadas em Português, a sonoridade do grupo não é datada, e apresenta influências de diferentes gerações que confluem para uma identidade própria e original. A faixa título é um dos pontos altos do álbum, e deixa claro um certo protagonismo dos teclados, com 'camas' privilegiadas na mix, e solos pontuados com alguma frequência. A faixa Regeneração recupera também um pouco de nossa cultura, através de passagens/solos que remetem à música mais tradicional do nosso nordeste, pontuada inclusive com o famoso 'triângulo' percussivo. O álbum continua em alto nível em músicas como Jogo da Vida e Um Sonho?, até surgir a balada Loucuras, Guerras e Poesias que não só revela um lado mais piegas da banda, como também quebra o padrão construído até então. Felizmente o tema seguinte recoloca o trem prog metal de volta aos trilhos, com improvisos jazzisticos pelo meio, e servindo também para explicar o conceito e a pronúncia correta da palavra Devachan (existência universal constituída apenas de pensamento, ou seja, um mundo ou plano mental). Em Olho por Olho, o grupo retoma seu som mais pesado, embora sem o mesmo brilho da trinca inicial. O mesmo se pode dizer de Eis a Questão, que conclui a temática do álbum num tom positivo. Antes dela porém há Caminho do Medo, mais uma balada pouco inspirada, e que novamente prejudica a fluidez do álbum. Nada contra esse tipo de abordagem musical, mais sentimental, porém são para mim os pontos mais baixos de todo o álbum, onde o grupo não conseguiu fugir do lugar comum, e sequer tentou imprimir a identidade musical construída nas restantes canções. Mesmo assim, acho que o saldo geral é positivo, e constato potencial musical para melhoras e evolução nos próximos trabalhos.

A segunda edição do KOOL METAL FEST em 2019 acontece já no próximo domingo, dia 10 de Novembro, no Carioca Club em São Paulo. Para além dos mexicanos Brujeria, a atração internacional que comemora 30 anos de carreira nesta edição, o festival contará ainda com quatro potentes bandas do underground paulista, as revelações Cemitério, Eskröta, Surra, Nervosa, e ainda os veteranos Krisiun do Rio Grande do Sul.

Krisiun

O Krisiun é atualmente, o grande nome do death metal brasileiro, mérito conquistado ao longo de quase 30 anos de carreira. Alex Camargo (baixo e vocal), Moyses Kolesne (guitarra) e Max Kolesne (bateria) estão em turnê mundial do Scourge of the Enthroned, seu 11º registro de estúdio em longa duração. O álbum resgata a brutalidade e velocidade do passado, sem deixar de apresentar flertes com outras escolas do death metal, e ainda assim propor momentos de groove e thrash metal. O álbum foi lançado em Setembro do ano passado via Century Media, e neste ano ganhou uma luxuosa edição nacional em vinil gatefold pela Monstro Discos.

Nervosa

O Nervosa, já anunciado para tocar no Wacken Open Air em 2020 na Alemanha, continua a divulgação mundial de seu terceiro álbum de estúdio, Downfall of Makind. Recentemente o trio feminino formado por Fernanda Lira (voz e baixo), Prika Amaral (guitarra) e Luana Dametto (bateria) se apresentou no palco Sunset, abrindo assim as hostilidades do dia do metal no Rock in Rio. O novo trabalho marca a estreia da nova baterista, e apresenta um direcionamento mais voltado ao death metal, quando comparado com seus antecessores.

Surra

O trio crossover Surra está em turnê do álbum Escorrendo Pelo Ralo, seu segundo trabalho de estúdio em longa duração lançado em Maio deste ano, e que também ganhou edição nacional em vinil pelo selo Läjä Records. Suas letras em português são pautadas por críticas sociais, contra o preconceito, elitismo e autoritarismo em geral. O Surra é atualmente um dos principais nomes da cena underground do litoral de São Paulo.

Eskröta

Tal como o Nervosa, o Eskröta também é um trio feminino de música extrema, porém mais voltado ao thrash crossover. O grupo foi formado em 2017 no interior de São Paulo por duas ex-Sinaya, a guitarrista Ya e a baixista Tamy. A baterista Miriam Momesso completa a atual formação desde 2018. Compromissadas com a resistência antifascista, e com o empoderamento da mulher na sociedade, suas letras em português são carregadas de críticas sociais e religiosas. Seu primeiro EP Eticamente Questionável foi lançado no ano passado, e um split digital com o Afronta foi lançado este ano.

Cemitério

O Cemitério representará o death metal oldschool nesta edição do Kool Metal Fest. Com letras em português inspiradas em filmes clássicos de terror, o grupo promete incendiar o Carioca Club com músicas de seus dois discos de estúdio, o homônimo de 2014, e seu mais recente EP Oãxiac Odèz de 2016, para além de outras inéditas. Suas principais referências são bandas como Obituary, Possessed, Death e Vulcano.


O festival teve início em 2003 com a intenção de fomentar a produção independente de música pesada e ao mesmo tempo unir vertentes distintas do estilo, do rock alternativo ao death metal. Nomes sonantes como Napalm Death, Suffocation, Violator e Ratos de Porão já fizeram parte de seus cartazes, e o festival promete continuar com força nos próximos anos. Confira abaixo os horários das apresentações das bandas nesta segunda e última edição em 2019. Os ingressos podem ser adquiridos online através deste link.